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CARLOS VIEU
Una partitura que señala un hito en una línea evolutiva

La partitura de Rigoletto ¿establece un "antes" y un "después" en la producción verdiana?

Podemos decir que se trata de una auténtica "bisagra" entre lo anterior y lo que vendrá. Su temática es directa, se manifiestan los sentimientos más sublimes por oposición. Se establecen situaciones paralelas, como en el cuarteto del último acto, en el cual la oposición se da entre el Duque y Maddalena, frente a Gilda y Rigoletto. Este tipo de recurso lo encontraremos años más tarde en el tercer acto de La bohème, en el que también se producen dos situaciones que contrastan. 
Existen más hechos curiosos. Al comienzo de la ópera Rigoletto le sugiere al Duque que rapte a la Condesa Ceprano, pero el destino se le vuelve en contra y terminan raptando a su propia hija. Esto, al igual que lo dicho líneas arriba, sucede en la vida, son auténticos elementos veristas. En su visión del drama Verdi se adelanta a la ópera italiana de fines del siglo XIX y comienzos del XX.

¿Encontramos innovaciones en el terreno del tratamiento vocal?

Estamos ante una gran escritura, tanto en los momentos de reposo como en los de mayor exigencia. Si tomamos como ejemplo los personajes del Duque y Rigoletto, nos encontramos con que Verdi trabaja en los extremos de capacidad expresiva desde el punto de vista técnico. Las tesituras vocales son muy exigentes, y, en el caso del Duque, por carácter tiene que lograr una cierta liviandad, cosa muy difícil de lograr ante tanta dificultad técnica. 
No podemos dejar de hacer referencia a una síntesis formal que preanuncia dramas como Don Carlo u Otello, a pesar de la tradicional fórmula "recitativo-aria-cabaletta", que no se ofrece de manera estática sino al servicio del drama: se describe el estado anímico que el entorno desató en el personaje.

El tratamiento de la orquesta verdiana ha sido y es a menudo objeto de una injusta subvaloración. ¿Qué hallazgos ofrece Rigoletto en el campo instrumental?

En esta partitura la evolución apunta a que la orquesta deje de oficiar como un mero acompañante, para ser un personaje más. Crea tensión dramática e ilustra lo que pasa sobre el escenario, secunda los diferentes estados anímicos de los cantantes, es descriptiva. Las indicaciones rítmicas no plantean un problema de tempo, sino de carácter dramático. Verdi utiliza motivos conductores: el preludio se inicia con el tema de "la maldición", que es el núcleo de la obra. La tempestad del tercer acto no está para facilitar un cambio escénico (como en Il barbiere di Siviglia de Rossini), sino como un espejo de lo que les sucede a los personajes en un momento decisivo de la trama. Los recursos son simples, pero no hay que confundir simpleza con vacuidad de sentido. Para su propio estilo y época, Verdi tenía una gran claridad conceptual también en este campo.

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Carlos Vieu